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jueves, 1 de agosto de 2019

Daniel en el pórtico: Los locos borrachos de Diotima


Daniel. Catedral de Santiago. Pórtico. La figura de Daniel en el pórtico de la gloria acaso sea una de las más enigmáticas y ricas del arte románico. Su encendida viveza contrasta con el hieratismo al que tiende la estatuaria románica. Daniel es algo más que un hombre encantado, aunque acaso solo sea alguien que recuperó su condición natural y su capacidad de mirada. En la sinfonía celeste del pórtico es la figura más humana, más viva, más en el mundo, la más mundana y cercana. Su rostro no desconoce la emoción aunque ésta se decanta hacia el entusiasmo del que encontró lo más sagrado, aquí y ahora, anticipando el ascenso celeste que tantos anhelan, anticipando algo que, en principio, dicen, queda del lado del más allá. Por ello Daniel no pierde pie en la tierra ni queda investido del hieratismo propio de lo celeste; perteneciendo a los cielos queda jovialmente arraigado a lo terrenal. En Daniel, es certeza de vida iluminada lo que para unos pocos es pistis[1] y, para algunos menos, esperanza de lo que se intuye y se olvida. Daniel es el gozo divino que se abre a la vida de los hombres en su propio cuerpo y fragilidad. La eternidad dándose en el aquí y en el ahora, entre cuerpos y pucheros, derrochando salud y plenitud de vida. Un ser puro ajeno a toda caverna mental dejándose sentir simplemente siendo, escucha simple del brindarse de la vida. Un alma abierta a un fuego interior que todo lo incendia y todo lo vence. El hombre más simple de los que han sido festejando el sencillo brindarse de los seres que son y hallando un paraíso recio. Sabe de la contracción pero la pesantez no lo alcanza. Sabe de la vejez y de la muerte pero las contempla acogidas al ir y venir de la vida y su Misterio. En la vida de Daniel se desborda el ser del hombre en una enigmática jarana que deja tras de sí los maldecidos asuntos humanos. El copero le ha entregado su cáliz y ha bebido hasta el fondo. Ningún hombre como él sabe del alcance de la coacción del tiempo y del dolor operando en el alma. De no saber de tales asuntos no figuraría en la sinfonía del pantocrator crucificado ofrecido en sacrificio inagural. A partir de de tales parajes Daniel ha alcanzado el claro en el bosque, una atalaya olímpica de templanza. De no ser así ni sería celeste ni seguiría siendo hombre. A alguien como él podría dirigirse lo dicho por Platón de que seguiría como a un dios a los capaces de aunar lo Uno y lo múltiple.

En el pórtico Daniel, como el resto de figuras, queda instalado en el orden musical y geométrico acogido a la figura del pantocrátor. Su figura aparece en una de las columnas a partir de las cuales se erige el orden celeste conectado al terrestre. En el pórtico incluso los infiernos están presentes sirviendo de basamento a una totalidad perfecta. Una perfecta armonía matemática que paradójicamente encuentra a su base la kenosis[2] del crucificado. De hecho el pantocrátor nos muestra sus heridas; su expresión, más allá de toda dualidad y escisión, es de un hieratismo extremo...

Los lugareños de Compostela, con toda su retranca y picaresca, señalan como la mirada de Daniel se dirige a una figura femenina que le queda enfrente. Una figura de mujer, una imagen de belleza que le podría estar arrebatando el alma… Podría no faltarles razón. La pertenencia de Daniel al mundo celeste lo ubica en todos los peldaños de la escala de Diotima por haberla ya transitado en su totalidad. Ama libremente sin mácula alguna en su amor. Daniel está instalado en la verdad viva que, cuerpo a cuerpo, se brinda en la tierra; en el ser que gratuitamente se ofrece a los hombres como donación y ofrenda. Sabe de la belleza de cuerpos, paisajes y criaturas, y su religión es esa misma belleza derramándose en las discretas veredas que recorren los ebrios que ven. En su alma el eros queda abierto a todos los registros. Conoce el secreto de los secretos que acaso sea lo más inmediato.  Necesariamente sabe del gran silencio y del temple que ampara el chapoteo feliz de los borrachos. Su alma ha encontrado su figura propia en la receptividad y la templanza para ahí descubrir su forma y su silencio en la atención simple a los seres que son; se trata de abrir el alma a su presencia, de simplemente contemplar, de quedar abierto a “lo que es”[3] en la diversidad de formas en que se nos se brinda; atención pura desasida de todo lastre, atención amorosa[4].

Acaso Daniel perciba lo que otros perciban pero su alma no lo asimila del mismo modo. Unos pocos minutos de su vida serian para muchos y muchos como ese cuerno de la abundancia que todo lo nutre y todo lo sana; júbilo, fiesta, jarana, gran abundancia. Ese es su claro en el bosque y su sagrado. Por celeste también sabe de la tiniebla nocturna que todo lo acoge, del Misterio que se brinda en el silencio, del alma sosegada y vaciada acogiendo un vacío insondable en su propia kenosis. La geometría[5] naciendo de la nada y de la noche… Platón, en el Parménides, llamará Unidad a esa esfera más allá del Ser, precisamente por acogerlo todo. La religión de Diotima encendiendo los corazones en la belleza y el eros. Diotima, iniciada en los misterios y sacerdotisa de Mantinea, iniciando a Sócrates y mostrándole una verdad sin contrario que no es. Como iniciada con capacidad de iniciar estamos ante alguien singular en el contexto de las tradiciones mistéricas, alguien a quien se le ha reconocido esa capacidad de transmisión desde una línea de oficiantes pre-existente[6]. Maneja un rito mistérico que prepara, anima y abre corazón e intelecto. Su capacidad es abrir ese espacio de vida y salud. Diotima es una teurga[7] y una sophos -una sabia-. Una de esas antiguas sophos cuya sabiduría persigue, según Platón, la filosofía. En la iniciación que facilitó a Sócrates arraiga y descansa todo Occidente.

¿Resulta casual que desde Daniel nos hayamos deslizado a las tradiciones mistéricas y a la filosofía?. En Daniel queda iluminada la escala entera de la que nos habla Diotima en El Banquete. De lo más mundano a lo más celeste quedando todo ello abierto al alma del hombre. La capacidad de vida del hombre queda así derramada y a la vista; burbujeante y más allá de sus contradicciones el hombre se descubre como un borracho, un danzarín loco capaz de reírse ante el batallón que le va a matar. Como ese personaje de los “Acantilados de mármol”, el Padre Lambros, capaz de esperar las huestes del gran guardabosques con una sonrisa desconocida en los labios[8]. En su alma y en su cuerpo vibrante la buena nueva ha estallado y nadie puede silenciar el estallido que todo lo conmueve. Aquí y ahora. Ahora mismo.

Volvamos a la figura de Daniel. Su presencia nos habla del cuerpo y sus potencias, del cuerpo vivo que más allá de sí queda abierto al darse gratuito de las cosas que son, a esa contemplación de la mera presencia de “lo que es” libre de añadidos humanos, demasiado humanos. El ser de las cosas que son, el amor de todos los amores, la belleza de todas las bellezas, esa belleza en sí que no es…. Su rostro refleja un alma arrebatada que se sabe en un estado más allá del bien y del mal y más allá de toda fractura; un estado de inocencia que ha transcendido el dolor y la coacción del tiempo; de ahí su candor inexpugnable. No se trata de que Daniel no pueda ser tocado por la desdicha o la enfermedad. Más bien se trata de la propia figura de su alma quedando instalada más allá de los parajes inciertos de la existencia. Daniel ha encontrado la vida desnuda que revela su ser pleno; su condición natural abierta a la contemplación de la vida. Habita en en la gran salud irrumpiendo desde ese estado de atención.

Me recuerda a la figura de Tom Bombadil de “El señor de los anillos”; nada le puede alcanzar el alma; ni el dolor, ni la degradación del nihilismo más extremo... Conoce el secreto de los secretos y la capacidad de la vida desatada, sabe de la potencia que desata simplemente ver y escuchar, de la atención desnuda a la vida, de lo más obvio y patente, de lo que, sin embargo, nos resulta más velado, de que todo decrece para volver a crecer, de que las cosas cesan y nuevos tiempos las suceden. Para Bombadil, chapoteando en su vida desbordada, su fiesta es la del cosmos entero. Por eso hay quien en el universo tolkeniano lo ha vinculado con la encarnación de Iluvatar, la divinidad suprema más allá de toda dualidad -“así sea en la tierra como en el cielo”-. David, el hombre en el que se desamarra la vida simple. De temple poco convencional si lo comparamos con el común de los mortales. Su vida es otra. El mundo al que accede es otro. Su capacidad de vida resulta insospechada para el humano medio…

¿Cabe imaginar ese nivel de gozo y esa potencia vital?, ¿cabe amamantarse en su resonar?, ¿cabe una memoria de lo humano que, tocándonos el alma, nos abra la senda de los borrachos?. Platón la deja caer en el Fedro al hablar de esa exaltación del propio espíritu propia de los poetas, de los amantes y de los iniciados en los Misterios, felices en el cortejo de un dios. La filosofía no sería ajena a tales ajetreos; de hecho tales ajetreos la constituyen y, quizá, se quede en muy poco si los olvida. ¿Estamos ante lo más simple y sencillo que cabe imaginar?. ¿Lo mas gratuito y al alcance?. ¿Lo que más ensordeceosse nos complica?. Daniel y Tom Bombadil, desde el bosque discreto de los borrachos, brincan y se carcajean…




[1] Pistis, en griego clásico fe
[2] Del griego kenos vacio. Kenosis vaciamiento. El evangelio se refiere a la kenosis de Dios para significar el habitar de la condición divina de Jesús de su pasión y muerte. Este término tiene una especial importancia en la espiritualidad de los padres de la iglesia.
[3] Sobre la cuestión del ser, de “lo que es” me remito a la entrada
[4] Los términos atención pura y atención amorosa son propios del lenguaje místico de san Juan de la Cruz
[5] Geometría, etimológicamente medida de la tierra
[6] Walter Burkert. “Cultos mistéricos antiguos”. Ed. Trotta, pg 56.  Según recoge Buckert en la ciudad de Alejandría  exigía a los que celebraban misterios dionisiacos referencias fidedignas de quienes los había iniciado en dichos misterios y capacitado para celebrarlos con el fin de proteger su integridad. Según el Edicto de Ptolemeo Filopator que data del año 210 se ordena a  “aquellos que realizan las iniciaciones de Dionisos en el país” viajen a Alejandría y se registren allí, declarando “de quien han recibido las cosas sagradas hasta tres generaciones, y entreguen el hiero logos en un ejemplar sellado”. Como vemos se trata de asegurar, escrupulosamente, la cadena iniciática y de tener constancia del hiero logos, es decir, de las palabras sagradas (por lo que sabemos variedades del mito en este caso de Dioniso), que se glosaban en cada misterio como contexto de la iniciación ritual propiamente dicha.
[7] Posiblemente una oficiante itinerante en la celebración de misterios. Como nos indica Walter Bukert en su libro “Cultos mistéricos antiguos”. En la antigüedad clásica los misterios se celebraban en santuarios específicos, o bien los celebraban oficiantes itinerantes a los que, previamente, se había reconocidos la capacidad de para celebrarlos –cfr. nota anterio-. Ante la celebración de unos misterios estamos ante un ritual teúrgico que proclama el vínculo entre hombres y dioses –los diversos misterios existentes quedaban referidos a dioses específicos - asegurando para el hombre la buenaventura desde la afinidad con lo divino. La iniciación se centraba en el rito y en el hiero logos que servía el contexto imaginario e intelectual del rito.
[8] Cfr. Ernst Jünger.“Los acantilados de mármol”

miércoles, 8 de noviembre de 2017

Frankenstein, Mary Shelley, Gonzalo Suárez: El horror





(1)

Remando al viento, con el viento rozando en el rostro, arrojado a la aventura de la vida, al desbrozar del propio imaginario, vacilando en sus tramos angostos, desbordado por ese eros temido y amado, indigente y fecundo como bien nos recordará Platón. Percy Shelley, el poeta romántico inglés y marido de Mary Shelley, nos dirá: “No despertéis a la serpiente / mientras ignore el camino a seguir/. ¡Deja que se deslice la que aún duerme / sumida en la honda hierba de los prados! / Ni una abeja la oirá arrastrarse”. Habrá quien quiera huir de la serpiente imaginando una vida sin sombra aventurándose en un mundo gélido saturado de un blanco polar de hielos perpetuos. Con acierto, Gonzalo Suarez, en “Remando al viento”, su película dedicada al relato de Frankenstein, recoge la intuición de su autora, Mary Shelley. Quien así quiera salir del laberinto mucho dejará en el camino; su vida, su cuerpo, su propio imaginario, ese eros que aporta vitalidad y calor pero que -ya lo dijo Hesiodo- opera en el caos y la noche, la propia forma que encuentra arraigo en ese entresijo sin fondo. El precio de la huida polar será alto. En el original de Shelley el Doctor Frankenstein morirá, intentado redimirse, persiguiendo el horror desatado del monstruo hasta los hielos perennes del Ártico. La persecución solo será una huida de sí mismo ya que el monstruo le será demasiado íntimo como para pretender cazarlo allende de su vida interior. Shelley vinculara lo monstruoso con el frío y el hielo. En una de sus cartas expresa su intención de que su relato “hiele la sangre”… En lo gélido, efectivamente, la sangre se detiene en nuestras propias venas y arterias y la vitalidad del cuerpo decae, la del alma también. Con todo, Frankenstein y su criatura intentaran resolver su destino en los parajes de la gelidez. Solo tras la muerte del científico el monstruo se inmolará a sí mismo consciente del despropósito y la irrealidad que esboza. Él, nada es al margen de su creador. Atinadamente, el director de “Remando al viento” en su elaboración de este mito moderno apuntará a ese horror que trajina en lo elemental y en nuestra intimidad. Un horror que porfía por colapsar nuestra capacidad de vida y calor, un horror íntimo y privado. Lo monstruoso en el alma. Para indagar en lo montruoso, en lo que no quiere ser, no hay que mirar más allá de sí. Muchos en la historia nos lo han recordado.

El relato original de Shelley es una de las obras maestras del XIX. Podemos referirnos a él como a un mito en su sentido más originario, una visión que traslada un horizonte de sentido en la palabra a través de imágenes y metáforas. En su expresión lo romántico encuentra una de sus expresiones cimeras y lo moderno queda radiografiado con una intuición magistral. Se critica con dureza la modernidad ilustrada y una técnica desbocada que, postreramente, creará monstruos; una técnica que, dependiendo del dominio inconsciente de lo humano, terminará por hacerlo eclosionar y revelar el horror de ciertas trastiendas del deseo y la imaginación. Para el romántico el devenir técnico de Occidente –el imperio de la mentalidad técnica- alberga una patología del imaginario que desatiende la totalidad de lo humano; una visión de empoderamiento supremo del hombre. En tal visión nada se resistiría a las capacidades técnicas del hombre. El problema es que las visiones que albergamos terminan por arraigar en la realidad que habitamos y, como es el caso, pueden llegar a  devolvernos nuestro propio horror y nuestro interior quebrado. El horror que subyace a tal visión, efectivamente, pugnará por revelarse.

(2)

Calibremos el profundo calado de la crítica que hace Shelley de la mentalidad tecnocientífica. Estamos ante una fe y un entusiasmo compartido que organiza su liturgia desde el culto a los fastos de la técnica. El movimiento romántico ya había cartografiado, a comienzos del XIX, las grietas y el saldo de aniquilación de lo humano que dejaba el proyecto ilustrado. Esta fe tiene sus sacerdotes, es decir, sus intermediarios. Shelley organizará su crítica reparando en uno de esos sacerdotes. Esta fe, a la postre un modo de iluminismo, desplaza su sombra al fondo de la memoria. Por eso desconoce casi todo de la pasión de control, de empoderamiento y de poder absoluto en la que arraiga; una pasión en la que todo pasa a ser cosificado, objetivado como algo sobre lo que operar, lo “otro” a domeñar, lo que debe sernos útil y rentable… En tal orden de cosas nada queda sino el hombre que todo lo compone atendiendo a su propia satisfacción; lo demás, como tal, se esfuma; no queda más que satisfacción de rendimientos. Tal praxis de cosificación responderá a deseos y necesidades siempre crecientes. Estos nunca quedarán colmados ya que los deseos y las necesidades humanas serán permanentemente figuradas a partir de la actividad del propio imaginario. Siempre habrá un nuevo horizonte y nuevas figuras de deseo que alcanzar. El encuentro con la vida y esa atención a la totalidad de lo humano quedará completamente desplazada por la permanente praxis de cosificación. El hombre no parece tan fácilmente reducible a la satisfacción de necesidades y rendimientos siempre cambiantes. Algo quiebra en lo profundo si se le reduce a esta programática.

Atendamos al relato; Mary Shelley, reveladoramente, lo titulará “Frankenstein o el moderno Prometeo”. En el mismo un científico reputado, el doctor Frankenstein, quiere llevar a su apoteosis la capacidad tecnocientífica del hombre. Shelley elige una imagen poderosa: la creación de vida a partir de la muerte. Frankenstein es un visionario confundido y vacilante, un Prometeo mesiánico e incierto; un fanático del progreso pero, sobre todo, un devoto de sus propias capacidades. El resultado de la pretensión de este científico será la creación de un monstruo, su monstruo, un monstruo que se sabe suyo y le interpela. No es un monstruo cualquiera. Es su propio monstruo, en palabras de la autora, “el horrendo huesped”. La encarnación de los deseos más oscuros de su creador; el reverso horroroso de sus propias visiones, ese reverso que desvelará lo oscuro de la pragmática de control total que subyace a la mentalidad técnica.

De un modo magistral esta romántica inglesa vinculará el carácter monstruoso de la técnica con los extravíos del imaginario y del deseo. Su intención en el relato es indagar en el horror, en ese horror capaz de “helar la sangre”, el horror por excelencia, un horror primigenio que encontraríamos a la base de todo horror y a la base, también, del mesianismo científico. El ser humano, prometeico, ebrio de sí y sin capacidad de manejo de sus propias visiones, quedará a la merced de sus propios sueños y fantasmas y de la erótica oculta que las subyace… Este será el horror extremo; el horror por el propio fantasma y por poder quedar a su merced… Y así podrá suceder porque nuestra imaginación y deseo crean y tejen realidad, la realidad que nos circunda. Saber de nuestras intimidades con el horror sería lo que nos hiela la sangre… Paralelamente, la quimera de crear vida a partir de la muerte manifestará una imaginación enferma y prometeica que desvela un fantasma, dispuesto a todo y sediento de poder. Es el propio fantasma del Dr. Frankenstein. El monstruo será su corporeización. Conviene saber que en el original de Shelley el monstruo en ningún caso recibe el nombre de Frakenstein. De hecho queda innombrado para subrayar su perfil fantasmático.  El texto se refiere a él con apelaciones indirectas como “la criatura”, “el huesped”, “el engendro”.

Como podemos observar Shelley toma partido frente al mito del progreso y a los fastos del dominio técnico de la vida. Considera al hombre que queda poseído por la mentalidad tecno-utilitaria como una perversión de lo humano. A partir de lo indicado irá desgranando su crítica desde la perspectiva propia de la llamada imaginación creadora. Como ya se ha apuntado, y desde la capacidad de la imaginación de prefigurar las posibilidades de encuentro con la vida, ésta, en su caso, podría terminar por conducirnos al terror y al caos... La historia del Dr. Frankenstein es, efectivamente, la historia del imaginario dejado a su propia capacidad de desvarío, generando monstruos desde su propia actividad. Precisamente por eso estamos ante el horror de todo horror, el horror íntimo de un eros extraviado que anima y estimula a los propios fantasmas. El poema de Percy Shelley será recitado en varios momentos de la película “No despertéis a la serpiente / mientras ignore el camino a seguir…”

(3)

La actividad del imaginario albergaría posibilidades de tránsito no tan fatuas. De las mismas dependerían modos muy diversos de acceso a la realidad. Nos movemos en las veredas de la imaginación creadora y de un misterio –el del ser- que se expresa atendiendo a la propia capacidad del imaginario humano. El romanticismo poetizará, narrará y pensará atendiendo a la relevancia cognoscitiva de la imaginación; con lo que entenderá la actividad del imaginario como un jalón del proceso cognoscitivo. Para el pathos romántico la vida del alma encontrará su correlato en su manifestación exterior, es decir, en la encarnación y corporeización, de las propias visiones y anhelos. Así, interior y exterior quedaran completamente enlazados. Gonzalo Suárez, con enorme acierto, asentará su recreación del mito a partir de estas sendas de la imaginación creadora. Las diversas posibilidades de tránsito dependerán de la propia capacidad de visión. La salud del alma y su capacidad de equilibrio será la figura a partir de la cual tome forma nuestra vida. De ahí la advertencia del poeta Percy Shelley, el marido de Mary. La serpiente, el deseo, lo terrestre, la vitalidad encendida del cuerpo debe saber hacia donde orillarse antes de ser despertado… Con acierto, Gonzalo Suárez transformará este poema del marido de Mary Shelley en una de las claves de interpretación de la película y al propio talento creador de Mary en el espejo mismo de la imaginación creadora. La imaginación crea vida, efectivamente, ya que ésta se hace carne y troquela nuestro vivir. Según imaginemos así viviremos y con frecuencia esta capacidad de imaginar nos desbordará. Imaginar y desear será uno y lo mismo… Hesiodo hace arraigar el eros en el caos y la noche. Platón lo vislumbró tan indigente como fértil. Ambos lo entienden como ese vigor capaz de alcanzar la forma plena pero creciendo desde la ciénaga. En tal sentido la sombra, esa sombra que dijera Platón, dinamizará la tarea del alma. “Remando al viento” no desmerecerá una tarea tan compleja como la de recrear un clásico, un mito moderno, tan lleno de orillas. La película nos arroja de lleno a la sensibilidad romántica; tan cercana, tan íntima, tan moderna, tan contramoderna, tan inquieta y arrebatada, tan deseosa de una nueva frontera, tan vacilante… Suárez apostará por entender el talento creador y narrativo de Shelley desde su capacidad de enhebrar vidas y destinos. En su relato Mary Shelley, magistralmente, ubicará la sensibilidad romántica en lo que será la fractura que la constituye. La actividad del imaginario, efectivamente, será capaz de tejer realidad. Ahora bien las tramas de realidad que se alcancen serán muy diversas y no necesariamente halagüeñas.. Del perfil y cualidad de esa actividad dependerá la apuesta romántica por una visión capaz de alumbrar una vida plena o el descarriarse en la propia imaginación. De la salud del alma, de su estado y de su capacidad de libertad, dependerá el proyecto romántico.

La primera generación romántica es la de Schelling, la de los hermanos Schelegel, la de Novalis, la del circulo de Jena, la de Hölderlin…. El romanticismo del héroe y el único que diría Argullol. Este primer romanticismo ve en la mirada del poeta y en su capacidad de visión una vía abierta al despliegue de las potencias de la vida del alma. En esa mirada todo, la vida misma, alcanzaría su propio estado de plenitud. El mirar poético alcanzaría a reflejar la cima extática del hombre y, al tiempo, la unidad de todo lo real en el Bien, la Verdad y la Belleza; esa unidad que es medida de todo y que devuelve, en la mirada capaz, un mundo equilibrado y en armonía. Los románticos aspiran a un nuevo inicio y a una gran reforma de la cultura occidental a partir de una poética que cante el ser en plenitud capaz de vivificar lo mejor de la propia tradición. Aspiran a un nuevo inicio para Occidente, a un retorno a las fuentes más originarias que vivifique el presente y configure devenires de momento inéditos. Hay que hacer virar la modernidad, encantar el devenir y superar el nihilismo de la modernidad ilustrada… Para alcanzar esa finalidad no podemos mirar atrás. El tradicionalismo no nos vale. Como digo, hará falta un nuevo inicio que permita beber del manantial de lo originario.
Shelley será más escéptica y advertirá de las cavernas del imaginario ya que éste nos desbordará a partir de nuestras propias escisiones. En tal sentido Shelley coloca al romanticismo ante su propia fractura. Parafraseando a su marido Percy si el eros no está maduro la serpiente no sabrá la dirección que debe tomar destruyendo al que indaga en su capacidad de visión. No olvidemos que la modernidad libera el imaginario del hombre al relajar toda programática respecto del propio desear. Sin una gimnasia del deseo, el imaginario quedará a su suerte y sin esa dirección que reclama Percy Shelley. Consideremos que la crisis de la religión y la moral tradicional, entre otras cosas, hizo quebrar la misma idea de gimnasia del deseo y arrojó la ética a una difícil fundamentación. Tal crisis constituye el andar vacilante e indeciso del hombre moderno.

La reflexión de Shelley resulta magistral. Precisamente la soledad e indigencia del hombre moderno será lo que obstruya la realización de las grandes intuiciones románticas, lo que haga inabordable el propio imaginario, la que abisme a las propias contradicciones del eros... Shelley advierte la fractura en la que queda instalada no solo la modernidad ilustrada y la tecnociencia sino el romanticismo como tal. La liberación del imaginario exige de una gimnasia del alma que promueva esa gran salud que permita el despertar de la serpiente. No será casual que en las sucesivas generaciones románticas las intuiciones unitarias de los primeros románticos y su modo de entender la imaginación creadora -volcada hacia una imaginatio vera- son dadas de lado en la primacía de lo irracional[1], de lo oculto y lo misterioso, del horror frente a lo civilizado, de la pseudoespiritualidad y la parodia frente a lo iniciático…. Lo romántico será, por tanto, origen de expresiones culturales de lo más diversas y, a veces, completamente contrapuestas; unas fecundas y otras completamente desnortadas. De ahí la complejidad en el juicio que exige saber ponderar el pathos romántico

Mary Shelley, de un modo magistral, será quien nos advierta de esa fractura que constituye lo romántico en su apuesta por la imaginación creadora. Vean la película de Gonzalo Suaréz, tan centrada en la Shelley. Lean el relato original. Dado el éxito mediático de Frankenstein las ulteriores recreaciones del relato de la Shelley acaso hayan velado la pluma penetrante que está detrás. Y el caso es que ésta debe ser puesta muy en primer plano en el centro. Mary Shelley, una de las grandes hermeneutas de la modernidad. La autora de “Frankenstein o el moderno Prometeo”





[1] Redefiniéndose así la crítica a la razón ilustrada



lunes, 26 de diciembre de 2016

Locos y fieles de amor: Diotima, Mishima, Reiko...

Yukio Mishima. La música de las esferas. Me refiero a esa música que este escritor japonés nos propone como espejo de la propia capacidad erótica en su relato Música. Ahí el eros rebasa los limes de la propia corporalidad y todo objeto de deseo para devenir cifra y símbolo unitivo. En el eros lo humano queda abierto y se une a la totalidad de la vida, a su naturaleza sinfónica. Eros y atención pura, actividad y receptividad, se tornan uno y lo mismo. “La música se deja oir. No cesa nunca” nos dirá Mishima.

En la obra que nos ocupa este escritor japonés, a través de la metáfora musical, nos indica ese reino de eros, el de los frutos maduros del Amor, en tanto aspiración final y motor de la vida humana. Un Amor que abre y sirve de puente de comunicación con la vida. En sus propias palabras incluso capaz de amparar el acceso a “una perfecta unión con el mundo exterior”. Sin fisuras, sin sombras, sin miedos, sin bloqueos... En ese estado no puede haber dualidad ni contrarios. Estos deben quedar integrados y rebasados. A propósito de Reiko, el personaje central de Música Mishima nos dirá: “en aquel momento debía encontrarse en un estado de bienaventuranza. La mentira, la verdad, las pequeñas preocupaciones… lo había superado todo. Atravesaba un territorio celestial con luminosas nubes y se encontraba ciertamente escuchando la música”. Así será este éxtasis amoroso capaz de aunar los polos opuestos de la vida. No en vano Mishima se referirá a Santa Teresa… ”Todos los hombres, en cualquier situación en que se hallen, reconocen rápidamente la luz interior desencadenada por el amor en el cielo nocturno de su alma”. A lo dicho responderá la metáfora musical propuesta, a la intuición directa de la armonía de la vida más allá de todo sinsabor, de toda escisión y de toda confrontación. Está metáfora, desde Pitágoras, será utilizada con recurrencia en tanto metáfora unitiva o no dual. La misma no indicará un mero experimentar “que se tiene” sino una apertura que transfigura la persona, una iniciación hacia ese estado olímpico en el que la música ya “no cesa nunca”. A tal llegará el cuerpo y su potencia de vida; más allá de sí.

En Música Mishima aborda una reflexión y un viaje a través del Amor. Desde eros la vida se abre al amante y ésta suena como la música, variada en sus notas pero ordenada; saturada de contrarios y contrapuntos pero naturalmente armónica. En el Amor la vida revela su envés de integración y belleza. Incluso el amor más anatemizado es capaz de servir de puente a ese estado de apertura en el que la vida aúna sus escisiones y nos ofrece un perfil no-dual de armonía y belleza. “La música se deja oir. No cesa nunca”… Así termina precisamente el relato del que nos ocupamos en esta entrada. Un recorrido detectivesco por las alcobas del deseo humano, del amor incestuoso, de las inhibiciones de la propia erótica. Es cierto que el libro tiene una importante deuda con el psicoanálisis pero se plantea como una crítica post-psicoanalítica del mismo. Eros desborda completamente los reduccionismos freudianos del mismo modo que el proceso analítico su formulación desde la psicología clínica. La aparente patología y lo sagrado, en esa música de la que nos habla Mishima, se encuentran. Los contrarios revelan su enlace en lo sagrado, su plano de integración. Lo que nos confrontaba y atenazaba sirve, finalmente, para revelar. Los recorridos de eros son infinitamente más complejos que el de aportar una simple perspectiva deudora de la psicología clínica. Por eso Mishima se decanta por un análisis de corte existencial en el que el Amor sea ese quicio que abre a la vida revelada como música. El escritor japonés nos da una referencia concreta, la del deseinanalyse –análisis existencial- de Binswanger. De acuerdo al mismo el análisis encuentra su horizonte y complemento en la ontología de Martin Heidegger, o lo que es lo mismo en la referencia al acontecer -a lo que va siendo- y a su experiencia. Desde tal perspectiva, la del dasein, la del ser en el ahí del ser, se considerará toda la vida psíquica; sea ésta mas o menos patológica, desde el común anhelo de alcanzar ese Amor unitivo que abre a la totalidad. Es más, todas las desarmonías de la vida del alma quedaran referidas a ese anhelo en tanto obstáculos y resistencias a la propia irrupción de eros. El Amor será así el dinamizador y el destino de la vida psíquica. Un amor que abre al Ser y a la vida, progresivamente y a diversos niveles, como en la escala de Diotima. De ahí que no deba causarnos sorpresa alguna la existencia de un poder misterioso que, emergiendo, regule la vida del alma humana: la de las potencias del eros y su irrupción. El mero análisis de la psique quedará pues rebasado por las renovadas síntesis personales que emerjan del encuentro erótico en lo que sería una ebriedad o locura amorosa; esa misma de la que nos hablara Platón,


El destino del hombre en el Amor será precisamente el de la realización de sus capacidades unitivas con la propia vida. Desde las mismas sólo queda ser uno con la vida y atender extasiado a su sinfonía. El éxtasis cuando a uno le roza sobrecoge. Su memoria acompaña de por vida. No deja indiferente el Misterio de Belleza que viene a revelarse. Basta un mero roce de esa música para reordenar toda la existencia. De ahí que eros, ese Amor que abre a la vida, sea el motor oculto del psiquismo humano, su más poderosa arma, su fuerza motriz. Adentrarse en los misterios de eros conduce siempre más allá de sí. El tránsito de sus senderos cambia y transforma. Ahí la vida se revela ofreciendo de su mano un irrefrenable caudal de plenitud y salud. La propia erótica encuentra su modo de plenitud en la recepción pura de la vida. La visión abandona los terrenos de un imaginario traslúcido y se ciñe a la música de lo más estrictamente real. “Sentía la música por todas partes, llenado cielo y tierra, sonaba envolviéndome, atravesaba mi cuerpo”… La cuestión del cuerpo, central en todo proceso espiritual…

No es baladí la alusión al cuerpo que convoca Mishima. Tampoco lo es la alusión al orgasmo y al encuentro entre cuerpos como metáfora de ese éxtasis musical. Bien de la mano de esa percepción espiritual olímpica, majestuosamente musical, capaz de aunarlo todo. Bien a través de esas sombras que en su reverso esconden el Misterio de su pertenencia a esa vida indestructible y Una que cantaran los fieles del dios Dionisos. El espíritu se brinda así en la carne. La del Amor es la buena nueva. La capacidad de atención y apertura la condición de su refinamiento; el silencio en esa música a la que por fin se accede, el vacío devenido tras la integración de los fantasmas del alma... Reiko no es capaz de escuchar la música pero todo su periplo la conducirá finalmente a sentirla. “El sólo hecho de pensar en la música la hacía desaparecer. El concepto de la música anulaba en ella la música misma”. Mishima sabe que la música de la vida se brinda en el silencio más allá de toda actividad mental. Ese mismo silencio interior que nos exige el éxtasis. Ahí el cuerpo se abre a la vida y queda desbordado en la liberación de sus propias potencias perceptivas. El cuerpo rompe sus límites y su carne es la del propio mundo. Erótica y contemplación devienen Uno y lo mismo. No hay ni interior, ni exterior... Como bien nos recordara Baruch Spinoza: “Si supiéramos lo que puede un cuerpo…”. Mientras tanto nos arrastramos. La cuestión abierta: ¿Cómo se despierta el eros?